さて、前回の歌曲に引き続き、今回は後半に演奏する「舞曲」のお話を。

歌曲は歌・・・つまり言葉が重要だったのに対して、舞曲は踊りのための曲です。
しかし、僕達演奏家は、例え踊りがなくても、舞曲を演奏します。
「踊り手」がいない舞曲。
そこに、どのような意味があるのでしょうか。

面白いことに、歌曲と舞曲は、太古から現在まで伝えられている音楽です。
しかし、同じぐらいに古い音楽なのに、その歩んだ道のりは違います。
まず知っておいてもらいたいことに、歌は楽器による伴奏がなくても大丈夫ですが、踊りはそうはいきません。
楽器による伴奏がついて、初めて踊れるのです。
よって舞曲は、音楽史的に器楽演奏と同じ歩みをしていくのです。

歌曲の時にも書きましたが、ヨーロッパではバロックの時代まで、楽器での演奏は低く評価されていました。
特に中世では、作曲家は低く評価されている舞曲は書かず、歌曲の作曲に集中していました。
もちろん、この時代に舞曲がなかったわけではありません。
その当時、舞曲は吟遊詩人によって、即興的に演奏され、庶民によって踊られていました。

ルネサンスになると、中世の頃より舞曲は認められ始めました。
庶民で踊られていた踊りが、宮廷で取り入れられ、宮廷舞踏として洗礼されていきます。
この頃に、様々な踊りが開発されています。
そしてバロックになり、ちゃんと楽器演奏が認められるようになり、舞曲がとても高く評価されるようになります。
宮廷では盛んに踊られるようになり、作曲家は舞曲に対し、大いに創作意欲が掻き立てられるようになったのです。

さて、ここからです。
これだけ盛んになった舞曲を、ただの踊りの付属にしておくのはもったいない。
伴奏の領域を越えて、ちゃんとした芸術作品としての地位を確立しようと、作曲家は考えます。
それは楽器演奏だけによる、踊り手なしの作品を作ることになります。
こうして、様々な工夫が施され、「踊りのための音楽」から「聴くための音楽」へ発展していったのです。

このように舞曲は、それぞれの踊りの性格を保ちつつ、その作曲家の独自の世界を持つことが可能になったのです。
踊りの芸術と作曲家の芸術が融合してできた舞曲。
コンサートで、その独特の世界観を楽しんでいただければ嬉しいです。